当下关于中国画的展览很多，有些画展尽管位置、环境都很不错，参观者却寥寥无几。展览所呈现出的感觉总是朦胧虚幻，玄之又玄，不知道创作者想要表现什么，传递什么。这些作品情感上晦涩难懂、形式上不中不西、意境上不古不今。虽借笔墨为之，冠以学术之名，但真正能够欣赏、读懂的人不多。此类型画展可称之为：有中国画之名，无中国画之实。

中国画是什么？中国画产生于中国历史的文明进程，它源于本土的文化基础，源于本土的山水自然环境，源于本土的儒释道思想。它有理论支撑，有创作技巧，有文化价值认同，更有鲜明的绘画形式。南齐画家谢赫的“六法”理论（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写）概述了中国画的特点，成为评判中国画很重要的标准。如以“六法”观点，对标当代某些“中国画”的创作，可以说，很多的作品正在失去中国画原有的味道。

造成这种现象的原因是创作者过于追求创新，追求个性，而失去了中国画的传统。提到中国画传统，有人认为是陈旧的、保守的、僵化的。其实，这是没有真正理解传统的本质。李可染先生关于传统曾讲到：“用最大的功力打进去，用最大的功力打出来”。传统是学习的手段，是学习的途径，更是画家求新求变的基础。近现代画坛上诸位大家均受益于对传统的学习，他们将所学习、所认知的传统以一种极致的创造能力融入到创作之中，最终形成了一代大家风貌，像吴昌硕的骨法用笔、黄宾虹的笔墨气韵、潘天寿的画面经营、李可染的对景创作……他们读懂了传统，掌握了传统，却并不固守于传统，而是将传统融化吸收，变成自己的绘画语言。这种新的绘画语言形成之后，成为他们艺术上的创新和个性风貌。这个学习、创新过程循序渐进，有迹可寻。这种有血有脉的传承创新，最能够得到大众审美的接受与认同。

反观当代不少画家作品虽面貌各异，但总有为了个性而个性之感。他们以西方当代艺术的思维对中国画作简单化、自由化的改造替换。作品形式虽异于传统，内容却经不起推敲，不仅缺少文化的内涵，更缺失艺术的厚度。一般来讲，这部分画家也经受过传统的熏陶学习，有着很好的艺术修养，但在求新求变的思维之下，作品中所呈现出的内容与中国的文化价值是完全割裂的。创作状态狂野、怪异、随性。有些画面甚至充斥着鬼气、甜媚、矫作、世俗、脏乱的气息，这与中和、内敛、阳光、自然、雄强、俊美、厚重、拙朴的正统审美存在巨大的反差。中国画有“画如其人”、“笔无妄下”的观点。绘画是思想最为直接的体现。有些画家为了凸显个性，有意或无意的跨过传统，排斥传统，追求一种主观上的创作自由，于创作形式、创作理念上刻意为之，生搬硬套，甚至把作品中出现的偶然效果和未完成的效果，作为画风的“符号化”标记。这些“符号化”的作品缺少理论支撑，缺少观众认可，缺少生活的体验。值得一提的是，创作自由是在修养达到高级境界之后随心所欲的状态，这种自由是在千锤百炼之下，是遵循艺术规律后的结果，是潘天寿先生所说“具正法眼，入上等禅”的自由境界，是李可染先生“废纸三千”之后的自由创作状态。因此，艺术的自由并不是偶然性的、随意性的肤浅，而是经历生活磨砺、艺术上苦学之后，所达到的“春蚕吐丝”“秋虫蚀木”“老僧参禅”的自在修为之境。艺术创作是严谨的，是有规律的。抛开艺术的规律、抛开传统去谈形式创新，必定是空洞的、虚无的，这样的审美必定是变了味道的。

艺术是生活的一部分，所体现的大美是自然化的、生活化的、人性化的。无论是专业的美术创作者，还是普通的大众欣赏者，在对美好事物的追求上体现了人所具有的普遍共性。诸如：我们亲近君子，疏远小人；向往富足，远离穷困；喜欢安定，讨厌纷争；追逐阳光，排斥阴暗；保持健康，躲避疾病……艺术源于人性，自然也具有人性化的特点。自古及今，中国画画家最熟悉中国文化特点，他们从人性的角度出发，赋予了天地间山川、草木、禽鸟、走兽以美好、吉祥、富贵的人文寓意，以个性化的艺术创造，展示出中国文化的艺术美、人文美、韵律美。回首中国画史，那些经过时间的沉淀保存下来，又能得到大众喜爱，愿意亲近的艺术，就一定是好的艺术。因为，大众对美的追求是不变的，对丑陋的排斥是不变的，美好事物所具有的共性是不变的，中国画本身所体现出的艺术价值和美学味道更是不变的。

《史记》云：“事不师古而能长久者，未所闻也。”中国画的发展是在尊重传统，学习传统，创新传统中一路走来。在时间的流转之下，过往的经典是传统，当代有价值的艺术创造又将变成新的传统。因此，传统不能以简单按照时间进行新与旧的定义区分。传统中存在中国画的理法、技法，存在中国画沿承发展的规律。创作者只有深入了解传统特点，了解传统中所蕴藏的正大气象，才能创造出具有中国画味道和精神的时代新作。

隋永刚（作者为《北京商报·典藏艺术周刊》主编）